Ayer mismo se dió el pistoletazo de salida a una nueva edición del Festival de Cine Indio de Madrid, el Imagineindia 2009. Es esta ocasión podremos disfrutar de una excelente selección de cine indio, así como de cine asiático en general.
Sección Oficial a competición
FROZEN (CONGELADO) 2007
SHIVAJEE CHANDRABHUSHANUn drama procedente de la India que fue visionado en la cuarta edición del Festival Internacional de Cine de Dubai, celebrado en la India, fue el exitoso largometraje del director Shivajee Chandrabhushan, Frozen (Congelado), cuyo rodaje tuvo lugar en Cachemira, en el Himalaya.
DEV D 2009
ANURAG KASHYAPKashyap ha sido, durante su trayectoria fílmica, un cineasta contrario a las reglas y consciente de la dirección opuesta al cine tradicional de Bollywood que siguen sus películas tales como Black Friday (Viernes Negro), Paanch y No Smoking (Prohibido fumar). Así, mientras sus primeras películas fueron innovadoras por la búsqueda de la serialidad y el ritmo, Dev D es totalmente diferente. En este sentido, la película, una interpretación de la clásica novela de Sarat Chandra Devdas, refleja la sensibilidad, los conflictos, la agresión, la independencia, el pensamiento libre, la exuberancia y los temores de la juventud de hoy en día.
BOMBAY MI VIDA 2008
NISHIKANT KAMATDirigida por Nishikant Kamat y producida por Ronnie Screwala, Mumbai Meri Jaan ganó el premio al Mejor Diseño Sonoro en el Screen Weekly Award en 2008 , el premio al Mejor Largometraje en el Festival de Cine de Lyon sobre Nuevas Generaciones en el mismo año y el premio Filmfare en 2009.
UN MIÉRCOLES 2008
NEERAJ PANDEYA Wednesday (El miércoles), una intrigante e inquietante película, es uno de esos largometrajes que invitan a la reflexión. El Comisario de la policia de Bombay, Prakash Rathod, narra los sucesos del día más memorable de su vida. Un cálido y soleado miércoles, recibe la llamada de un supuesto terrorista. El hombre le informa de que ha colocado varias bombas por todo Bombay, a cambio pide la liberación de cuatro terroristas. Estos terroristas están vinculados a Al Qaeda y Lashkar y sus nombres son Ibhrahim Khan, Ikhlaque Khan, Mohammad Zaheer, y Dhursheed Lala. Al principio, Prakash sospecha de que sea todo mentira pero sus dudas desaparecen cuando es testigo de una bomba situada en la estación de policia, justo enfrente de la Dirección General de Policía.
Prakas Rathod se encuentra ante un verdadero dilema. Sin embargo, no es un hombre que se rinda fácilmente. Así, trata de averiguar la ubicación del terrorista, pero es demasiado bueno. Mientras toda la fuerza policial está recorriendo la ciudad para buscar la bomba, Rathod trata de resolver el complicado rompecabezas, sin embargo, su trabajo no da los frutos deseados.
Rathod se rinde ante los deseos del terrorista y libera a los cuatro temidos terroristas, comprometiendose a entregarselos en una pista de aterrizaje abandonada en las afueras de la ciudad. Tiene un as sobre la manga y está esperando el momento adecuado para ejecutar su plan. Sin embargo, una gran sorpresa le espera. Después de que sus subordinados liberen a los cuatro hombres un móvil hace que estalle una bomba y provoca la muerte de tres de los terroristas. El cuarto es rescatado por Arif de forma inadvertida quien informa al atónito Rathod de que el plan nunca fue rescatarlos sino matarlos. Además, Rathod, al ser informado de que sólo mató a tres y no a los cuatro, ordena a Arif matar al cuarto.
Neeraj Pandey, el “cerebro” de este drama de alta adrenalina, intenta con esta película sembrar el nerviosismo y sorprender del público ¿Cómo lo conseguirá? Sin lugar a dudas, con el final de la película.
BIENVENIDOS A SAJJANPUR 2008
SHYAM BENEGALUna comedia hindi dirigida por Shyam Benegal, Welcome to Sajjanpur (Bienvenido a Sajjanpur) muestra, con un método divertido, musical y cómico, personajes y acontecimientos que son a la vez divertidos y conmovedores.
Mahadev es uno de los pocos hombres cultos en Sajjanpur. Su mayor ambición es llegar a ser novelista, pero le resulta más fácil ganarse la vida escribiendo cartas sentado junto a la oficina de correos. Su persuasiva capacidad de escribir cartas, hace que se gane el apoyo de la gran parte de población analfabeta de la ciudad. Consciente de este poder, va a utilizar su talento para manipular a la gente, obteniendo en muchas ocasiones, resultados divertidos, aunque en otras no tanto.
En este sentido, Mahadev va a ayudar a los residentes de la ciudad escribiendo su correspondencia a cambio de una pequeña cantidad de dinero. Algunos de sus clientes son Ram Singh, ex-presidente del municipio, quiere que su esposa, acusada de homicidio, participe en las elecciones, pero primero debe desacreditar a su principal competidor, Rehmat-Ur-Nisha; Ramkumar, enarmorado de Shobha, una viuda que que vive con su suegro, Subedar Singh, un frenético Ramsakhi Pannawali que desea casar a su Manglik y rebelde hija, Vindhya; Munnibai Mukhrani, un eunuco que le pide ayuda para ponerse en contacto con la policía despues de haber sido amenazado y asaltado por Ram Singh, al haberse atrevido a competir en las elecciones municipales y un encantador de serpientes que utiliza serpientes falsas y está deseoso de encontrar a su padre desaparecido. Mientras, Mahadev va a usar su habilidad para conseguir la ruptura del matrimonio entre Kamla y su marido, Bansiram, el cual vive en Bombay, de esta forma podrá conquistar a Kamla.
Welcome to Sajjanpur (Bienvenido a Sajjanpur) mantiene el interés del público durante toda la película. Una verdadera sátira llena de humor, relaciones y simplicidad.
HISTORIA DE LAS COLINAS ROJAS 2007
REMO D,SOUZATitulada Lal Pahare’r Katha (Historia de las Colinas Rojas), la pelicula Bengalí explora el baile conocido como Chhou. La vibrante danza tribal llamada Chhou proporciona un el telón de fondo de una cautivadora y melodramática historia de venganza y liberación en un largometraje dirigido por el exitoso coreógrafo de Bollywood Remo D,souza. Así, The story of the Red Hills (Historia de las Colinas Rojas) ofrece un espléndido escaparate de una antigua forma de arte que esta cerca de extinguirse.
La película se centra en Manohar, un conocido artista del Chhou en la región Bengalí de Purulia. Su arte le permite esconder lo que siente por una joven, Malati (Moumita Gupta). Cuando Manohar esta de gira, Malati se ve obligada a casarse con Shib (Chakravaty Shankar). Así, va a dar a luz a Felai, un niño que nace con discapacidad física.
Mientras tanto, Manohar, que aun se acuerda de Malati, considera que su especialidad, el baile rápido está perdiendo terreno con la divertida y popular danza conocida como Jatra. De este modo, la pérdida de estatus y la falta de demanda le hace caer en una depresión y decide ahogar sus penas en el alcohol.
En el pueblo, el disgustado Shib decide deshacerse de su responsabilidad como padre. Intenta ahogar al niño en la selva. Sin embargo, Manohar, ebrio, encuentra al niño inconsciente. Ayuda a Felai, el cual se niega a decir donde vive. Los dos se desplazan a otro pueblo, dónde su incondicional admirador Madhab le convence para que baile Chhou de nuevo.
Felai es feliz en su nuevo hogar, con la hija de Madhab, Ganga, como amiga. Cuando Manohar entrena a sus estudiantes, Felai comienza a reaccionar ante los ritmos del Chhou y Manohar le anima a que baile. Según Felai va creciendo se va convirtiendo en un estupendo artista. Manohar cuenta con una verdadera compañía de danza.
Se organiza una competición de Chhou en la ciudad donde Manohar y Felai vivian cuando eran niños. La compañía de Manohar decide participar con el lanzamiento esperanzador de Felai. Al darse cuenta que Felai es el hijo que intentó asesinar, el atemorizado Shib trata de implicar a Manohar en la desaparición de su hijo, lo cual trastorna a Malati. Sin embargo, un seguro Felai entra en el escenario de baile en medio de una multitud vitoreante.
Drama y romance se mezclan en la historia de Remo D,souza, inspirada en un hecho real. “En nuestro lugar de ensayo, conocí a un muchacho que trabajaba en el puesto del té. Nació cojo y mudo, pero empezó a bailar milagrosamente. Ahora camina sin muletas, juega al cricket y es un buen bailarín. Estoy enseñándole a bailar en la escuela y lo hace bien. Quería enseñar su historia en el cine para que la gente vea que la danza puede hacer maravillas.”
MAR HACIA DENTRO 2007
SHYAMAPRASADBasada en la novela de Sunil Gangopadhyay, Hirak Deepthi, Ore Kadal (Dentro del Mar) es una historia acerca de las relaciones de pareja y las crisis que se desarrollan fuera de estas. Es una película moral, ética y emocional acerca de un hombre y una mujer que van a enamorarse ante unas condiciones muy difíciles.
Nathan es un destacado profesor de economía. Sin embargo, a pesar de ser famoso y gozar de una buena economía es básicamente un hombre solitario y alcohólico. Objetivista y un intelectual centrado en si mismo quiere alejarse sentimentalmente de todas las relaciones, un hombre que sólo necesita el cuerpo de una mujer. Deepthi es una ama de casa que vive en el mismo complejo de apartamentos que él con su marido y su hijo. Los dos van a tener una relación íntima. Así, la inocente Deepthi va a enamorarse de él, mientras que Nathan actua desinteresadamente, como de costumbre. Pero las cosas van a peor cuando Deepthi se siente culpable y cae en una gran depresión. Bela, una amiga de Nathan, mucho más práctica, le hace recapacitar y le convence de que Deepthi le quería y que había dado a luz a un bebe, fruto de ambos.. Finalmente, Nathan se va a dar cuenta de que él es la razón por la que Deepthi se encuentra tan mal.
Una pelícual de la India, protagonizada por Mammootty, Meera Jasmin, Narain y Ramya Krishnan y dirigida por Shyamaprasad, fue elegida como película inaugural de la sección Panorama de la India en el Festival de Cine Internacional de la India. Además, ganó cuatro premios (Mejor Actriz, Mejor Contexto, Mejor Edición y Mejor Película) en los Premios de Cine del Estado de Kerala.
Gulabi Talkies 2008
Girish KasaravalliGulabi Talkies es una verdadera obra maestra del director Girish Kasaravalli. Se ocupa de algunos de temas contemporáneos como el consumismo, las reformas económicas y la discriminación social. Temas raramente tratados en películas indias modernas, y todo ello realizado con una narración tan auténtica que causa un gran impacto en los espectadores.
Basada en un relato del conocido escritor Vaidehi de Kannada y rodada en las ciudades costeras de Kundapura y de Kasaravalli, gira en torno a Gulabi, una mujer musulmana experta comadrona que lleva una vida solitaria después de que su marido, Moosa la abandona y se casa con otra mujer. A pesar de ello, Gulabi es una mujer fuerte y serena e intenta ser feliz.
EL PRISIONERO 2009
PRYAS GUPTALa película, que tiene todos los ingredientes de un buen thriller, narra la historia de un célebre escritor que acaba de salir de la cárcel. Lo pierde todo al separarase de su esposa y de su hijo. Una vez que sale de la cárcel, quiere recuperar el tiempo perdido y a su esposa escribiendo una novela titulada Siddharth (El Prisionero). Pero las cosas empiezan a ir aun peor. Mohan trabaja en un ciber café propiedad de un capo de la mafia. La mafia le da a Mohan un maletin con dinero para que lo mantenga a salvo. Siddharth va al mismo café con un maletín en el que lleva su novela. Las dos maletas van a ser intercambiadas. Roy pierde el único ejemplar de su novela, mientras Mohan, el encargado del ciber café, está presionado por la mafia para recuperar el dinero perdido. En medio de la creciente desesperación sobre el ejemplar perdido Roy se va a reconciliar con su hijo de tres años gracias a una criada de la casa. Incapaz de encontrar la felicidad en el dinero encontrado, Roy empieza a interesarse por la custodia de su hijo. Mientras tanto, Mohan, sometido a una gran presión, pierde su trabajo y se ve obligado a esconderse de la mafia. Debe encontrar a Roy y el dinero cueste lo que cueste.
Siddharth (El prisionero), dirigida por el reconocido Pryas Gupta, es una historia que rompe con lo convencional. Prayas Gupta describe el carácter de un celebrado escritor que sufre tanto en su carrera profesional como en su vida personal dando lugar a una historia llena de realismo.
CUATRO MUJERES 2007
ADOOR GOPALAKRISHNANLa película, que ya ha sido exhibida en más de 20 festivales internacionales de cine, es un agudo y estimulante drama que gira en torno a cuatro personajes femeninos comunes en el estado de Kerala al sur de la India: la prostituta, la virgen, el ama de casa y la solterona. Cada una goza de un papel social que no han podido elegir. Así, cada papel ofrece una paradoja entre la libertad y la esclavitud en igual medida. Estas cuatro historias, adaptaciones de las pequeñas historias del ganador del premio Jnanapith, Thakazhi Sivasankara Pillai, tienen como escenario el verdoso Kuttanadu, en una época en la que la agitación social parecía haber desaparecido. Pero la gente seguía reaccionando cuando los individuos tomaban soluciones drásticas.
En la primera historia (la prostituta), Kunju Pennu acepta la propuesta de Pappukutty y forma parte de un matrimonio informal, renunciando a su profesión como prostituta. Ambos son extremadamente pobres y viven en la calle, pero creen en el honor de su nuevo estatus. Honor que se va a romper cuando una noche la policía les descubre en una posición comprometida y los arresta con cargos por obscenidad.
En la segunda historia (la virgen), los padres de Kumari esta felices por casar a su hija con un hombre de otro pueblo, pero se sienten ofendidos cuando les visita y se come hasta el último bocado. Estas escenas son a la vez cómicas y alarmantes. Después de la comida, su nuevo marido les deja y nunca vuelve. Kumari, debe enfrentarse a esta vergonzosa situación.
La penúltima historia (el ama de casa) es acerca de una ama de casa que no puede tener un hijo. Un viejo amigo de la escuela se ofrece para ayudarla, sin embargo, en el último momento cambia de opinión, pues sabe que su marido la sigue queriendo. En la última historia (la solterona), Kamakshi, la mayor de cuatro hermanos, no goza de las mismas condiciones en su casa debido a que tiene la piel más oscura y ha atravesado la edad para casarse. Finalmente, el hombre que viene a ver a Kamakshi acaba declinándose por su hermana menor.
Retrospectiva Tapan Shina
Tapan Sinha nació a Calcuta en 1924. Se graduó en Fisica en la Universidad de Calcuta. Sinha empezó su carrera en el cine como ingeniero de sonido en el New Theatre de Calcuta en 1946. Cuatro años después, recibió una invitación al London film festival y una oportunidad de trabajar a los Pinewood Studios. Se quedó en el Reino Unido dos años. Después de su regreso a la India, su atención se centró en la dirección de películas. Fue influenciado por el cine Norte Americano y Britanico. Tagore fue una gran fuente de inspiracción para él, y realizó tres películas basadas en historias de Tagore : Kabuliwala, Hungry Stones (Khudito Pashan) and Atithi.
La primera película de Tapan Sinha “Ankush” estaba pasada en la historia de Narayan Gangopadhyay ‘sainik’. En 1957, su film ‘Kabuliwala’ se proyectó en el Berlin Film festival. Ganó muchas veces premios nacionales, y recibió el prestigioso Dadasaheb Phalke award. Sus películas fueron seleccionadas para distintos festivales de cine en todo el mundo. Sinha ha muerto en Calcuta el 15 de Enero de 2009.
GALPO HOLEO SATTI 1966
JATUGRIHA 1964
Retrospectiva Shaji Karun
Shaji Neelakantan Karun nació en el estado de Kerala (India) en 1952. En 1971 ingresó en el Instituto de Cine y Televisión de la India (FTII), en Pune, donde se graduó en dirección de fotografía obteniendo la Medalla del Presidente (1975). Tras ésto, dirigió la fotografía de casi cuarenta películas, entre ellas, la mayoría de las de G. Aravindan.
Después de un breve período en la ciudad sureña de Madrás, volvió a Trivandrum en 1976, donde fue nombrado directivo del entonces recién creado organismo estatal para el desarrollo cinematográfico. Su relación con el legendario director de cine malayali G.Aravindan comenzó en la década de los 70. Tras esto Shaji N. Karun continuó trabajando como director de fotografía con directores de la talla de G.George y M.T. Vasudevan Nair. Su trabajo tras la cámara –especialmente en los filmes de Aravindan, desde Kanchana Seeta hasta Chidambaram-, define la imagen del cine de la Nueva Ola de Kerala.
Su debut como director no llegó hasta 1988 con Piravi (El nacimiento), película por la que fue enormemente elogiado. Seleccionado en no menos de setenta festivales nacionales e internacionales, entre ellos el de Cannes, el filme recibió 31 galardones; incluidos el Charli Chaplin de Edimburgo, el Leopardo de Oro de Locarno; la Mención Especial Cámara de Oro de Cannes, el Hugo de plata de Chicago y la medalla de Oro del Presidente de la India como mejor película de 1989. Si Piravi trataba sobre el dolor de un padre que pierde a su hijo, la segunda película de Shaji, Swaham (1994), lo retoma. Swaham (Mi yo) fue llevada a sección de competición en el Festival de Cannes de 1994. Vaanaprastham (La última danza, 1999) no sólo sería su tercera película como director sino la tercera de las suyas en ser seleccionada en el Festival de Cannes, un honor otorgado a tan sólo un puñado de directores en todo el mundo. El largometraje, en el que Mohanlal interpretaba el papel principal, fue declarado mejor película del Festival Nacional de Cine de la India en 1999. Nishad (Octava, 2002), su última película en hindi, fue estrenada en el Festival Internacional de Cine de Fukuaka (Japón) en 2002.
Como director de cortometrajes, Shaji fue galardonado con la Medalla de Oro del Presidente de la India en 1996 y obtuvo el reconocimiento en diversos festivales internacionales. Su último filme, A.K.G., es la dramatización de la vida del legendario líder comunista A.K. Gopalan.
PIRAVI (EL NACIMIENTO) 1988
SWAHAM (EL YO) 1994
VAANAPRASTHAM (LA ÚLTIMA DANZA) 1999
NISHAD (OCTAVA) 2002
Retrospectiva Girish Kasaravalli
Girish Kasaravalli se graduó por la FTII de Pune en 1975, en la especialización de ‘dirección de cine’ . El mundo de Kurosawa, Ray, Ozu, Fellini y Antonioni lo inspiró y profundizó su convicción por el cine de neo-realista. Su primera película como director independiente, fue Ghatashraddha en 1977, que ganó el Golden lotus, y también ganó algunos premios internacionales. Él segundo Golden Lotus le vino por Tabarana Kathe en 1987. Considerada una de las mejores película indias, trata de los esfuerzos inútiles de un empleado del gobierno jubilado por ganar su pensión. En 1997, presentó Thaayi Saheba que lo ganó su tercer Goleen Lotus. Thaayi Saheba se considera el trabajo más maduro del director, ocupándose de la transición entre la pre- independencia y post independencia en la sociedad india. Repitió su éxito con Dweepa en 2002. Con esta película, diferente a las anteriores, ganó su cuarto Goleen Lotus. Su última obra Naayi Neralu trata del extraño concepto de la reencarnación. Basado en la novela del mismo nombre de S.L. Bhyrappa, Girish Kasaravalli ha dado una interpretación diferente del objeto. El International Film Festival de Rotterdam acogió una retrospectiva de las películas de Girish Kasaravalli en 2003.
DWEEPA 2001
HASINA 2004
Naayi Neralu ( In The Shadow Of The Dog ) 2006
GHATASHRADDHA 1977
Gulabi Talkies 2008
Retrospectiva Satyajit Ray
Satyajit Ray (2 de mayo 1921 – Calcuta 23 de abril 1992) fue un director de cine indio, considerado uno de los grandes artistas del siglo veinte, a causa de su estilo sutil, austero y lírico de dirección de películas.
Ray nació en una importante familia bengalí de literatos y artistas. Se graduó en el Presidency College de Calcuta y estudió bellas artes en la Visva-Bharati University, en Santiniketan. Fue atraído por la cinematografía tras conocer al cineasta francés Jean Renoir y ver la película neorealista italiana El ladrón de bicicletas durante una visita a Londres. El debut cinematográfico de Ray, Pather Panchali (La canción del camino), ganó once premios internacionales incluyendo el Mejor Documento Humano en el Festival de Cine de Cannes. Junto con Aparajito y Apur Sansar, Pather Panchali forma la Trilogía de Apu, la obra maestra de Ray.
Ray estaba profundamente afectado por la gente y las condiciones socio-económicas reinantes en Bengala, y aunque sus películas tienen un interés humanista universal, la vida de las diversas clases sociales de Bengala, el conflicto de los nuevos y antiguos valores, y los efectos de las rápidamente cambiantes condiciones económicas y políticas de la India son algunos de los temas recurrentes en su obra.
Ray fue un cineasta prolífico y dirigió treinta y siete películas en su vida, comprendiendo largometrajes, documentales y cortos. Ray recibió muchos importantes premios de cine en su ilustre carrera, incluyendo un Óscar Honorífico en 1992, poco antes de morir.
ASHANI SANKET (Un trueno lejano) 1973
ABHIJAN (La expedición) 1962
CHIRIAKHANA (El Zoo) 1967
PRATIDWANDI (El adversario) 1970
KANCHENJUNGA 1962
Cine Indio Clásico
JATUGRIHA. (Tapan Sinha) Juntos bajo un techo
ASHANI SHANKET (Satyajit Ray) Un trueno lejano
ABHIJAN. (Satyajit Ray) La expedición
PRATIDWANDI (Satyajit Ray) El adversario
KANCHENJUNGA. (Satyajit Ray)
CHIRIAKHANA . (Satyajit Ray) El zoo
GALPO HOLEO SATTI . (Tapan Sinha) Es verdad aunque sea cuento
Sección asiática – Competición
SUEÑOS DESDE EL TERCER MUNDO (Kan Lume). Singapur.
TRES DESEOS TRES AMORES (Nan Achnas). Indonesia.
RAMCHAND PAKISTANI (Mehreen Jabber). Pakistan.
LA LUNA EN EL FONDO DEL POZO (Nguyen Vinh Son). Vietnam.
TAL COMO SOMOS (Ann Hui). China.
KOLORETE (Ruelo Lozendo). Filipinas.
LLAMA SI ME NECESITAS (James Lee). Malasia.
TRES MUJERES (Manijeh Hekmat). Iran.
FUIMOS AL PAIS DE LAS MARAVILLAS (Xiaolu Guo). China.
Retrospectiva Wong Kar Wai
Wong Kar Wai nació en Shanghai en 1958 y a la edad de cinco años se trasladó a Hong Kong con sus padres. En 1980, tras graduarse en diseño gráfico en la Escuela Politécnica de Hong Kong, se matriculó en un curso de producción organizado por la Television Broadcasts Limited de Hong Kong (TVB), convirtiéndose en guionista de televisión a tiempo completo. A mediados de los ochenta, trabajó como guionista y director para la productora The Wing Scope Co. y para la In-Gear, ambas del renombrado actor y director hongkonés Alan Tang.
El estilo nostálgico y artístico de Wong se forjó durante su aprendizaje con Alan Tang Kwong-Wing, quien invirtió en la primera película que dirigió Wong, As Tears Go By (1988). La carrera de Wong despegó con el filme Días Salvajes (1990), a pesar de que Alan Tang perdió con él varios millones de dólares. Más tarde, Wong se dedicó a los largometrajes. Entre 1982 y 1987, escribió oficialmente una decena de guiones, que van desde el género de la comedia romántica al de acción, pero el director reivindica al menos otros cincuenta que no han sido reconocidos. Para Wong, su mejor obra es Final Victory (1986), una oscura comedia de tema criminal cuyo guión escribió para el director Patrick Tam.
Wong Kar Wai debutó como director en 1988 con As Tears Go By, un melodrama criminal tan popular en aquellos días, inspirado en la película Malas calles (1974) de Martin Scorsese. En el filme ya se podía vislumbrar el sello característico de Wong, especialmente en esa paleta atmosférica y, en ocasiones, expresionista.
Su siguiente película, Días salvajes (1991), producida por Alan Tang, un drama sobre la juventud desorientada ambientado a principios de los años sesenta, que se presenta ya con su sello característico: piezas ambientales trazadas de manera elíptica, con una estética y una música exuberantes sobre el peso de la memoria en personajes melancólicos e inadaptados. La película fue un fracaso en la taquilla, pero ahora la crítica la clasifica como una de las mejores películas hongkonesas hechas jamás. Ha sido descrita como una especie de Rebelde sin causa a la cantonesa.
Puso en marcha también si propia compañía independiente de producción, Jet Tone Films Ltd. Su socio, Jeffrey Lau, es un director y productor que suele trabajar más cerca de la vena populista del cine dominante de Hong Kong.
En la década de los noventa, Wong continuó dirigiendo largometrajes producidos por Jet Tone, lo cual le permitió seguir trabajando a su propio ritmo. Entre ellos están Chungking Express (1994), que trata sobre las vidas de dos policías en Hong Kong y las extrañas mujeres que conocen y de las que se enamoran. Ángeles caídos (1995), pretendía ser la tercera parte de Chungking Express, pero cuando vio que el tono no era el mismo de las partes anteriores, la cortó y la hizo independiente. Sin embargo, se la considera una especie de continuación a Chungking Express, pues es un filme de género negro de nueva hornada sobre un asesino desilusionado que intenta superar su afecto por su pareja, con un paisaje urbano nocturno sórdido y surrealista como telón de fondo.
El reconocimiento internacional le vino de la mano del Festival de Cannes en 1997, donde ganó el premio al mejor director por Happy Together (1997), cuya banda sonora incluye piezas del argentino Astor Piazzolla, el brasileño Caetano Veloso y Frank Zappa para ambientar la tormentosa aventura de una pareja gay de expatriados en Buenos Aires.
A pesar de su bagaje como guionista, una de las peculiaridades de Wong como director es el hecho de trabajar en buena parte mediante la improvisación y la experimentación con los actores y el resto del equipo de rodaje, sin ajustarse a un guión fijo. Esto le ha ocasionado algunos problemas con sus actores, sus patrocinadores y la gente que ha trabajado en sus películas, incluido él mismo.
El rodaje de Deseando amar (2000) tuvo que ser trasladado desde Pekín a Macau, después de que el departamento de cine del gobierno chino le pidiera ver el guión completo. La intención de Wong era hacer dos filmes, uno de los cuales se titularía Beijing Summer. Wong pensó en llamar a su película Three Stories About Food, pero se decidió por una sola de ellas, A Story About Food, centrada en un escritor. Con escenas en Bangkok y en Angkor Wat, el rodaje duró 15 meses. Fue un momento duro para la actriz principal, Maggie Cheung, cuyo peinado y maquillaje llevaban cinco horas diarias. En un principio, Wong pensó en llamar a la película Secrets, pero disuadido por Cannes finalmente la tituló In The Mood For Love (Deseando amar), inspirándose en la versión que Bryan Ferry hizo de la canción I’m In The Mood For Love que escuchaba en ese momento.
La película 2046 (2004), que trata sobre la recuperación de los recuerdos perdidos, era la tercera parte de una historia que empezó con Días Salvajes y continuó con Deseando amar.
En 2006, se convirtió en el primer director chino en presidir un jurado en el Festival de Cannes.
My Blueberry Nights (2007), el primer largometraje de Wong Kar Wai rodado enteramente en inglés, abrió el Festival de Cannes de ese año como uno de las 22 películas en competición. La cantautora estadounidense Norah Jones debutó como actriz en el mismo.
Wong Kar Wai presidió el jurado del Festival Internacional de Cine de Shanghai en la edición de 2008.
AS TEARS GO BY (Cómo las lágrimas se van)
DAYS OF BEING WILD (Días salvajes)
CHUNGKING EXPRESS (Expreso de Chungking)
FALLEN ANGELS (Angeles caídos)
HAPPY TOGETHER (Felices juntos)
Muestra de Kon Ichikawa
De entre los pocos directores del cine japonés con una fama internacional, Kon Ichikawa sea quizás el menos conocido y el menos comprendido. El puñado de sus películas que alcanzaron distribución en las décadas de los 60 y los 70 – El arpa birmana (1956), Fuego en la llanura (1959), La llave (1959), Solo en el Pacífico (1962), La venganza de un actor (1963)- son el testimonio de esa característica que ha resultado ser su mayor traba con respecto a la crítica: ese eclecticismo tanto en el tema como en el estilo que desafía las nociones de la consistencia del cine de autor. Muchos lo descartan como un “simple ilustrador”, a pesar de la ironía que subyace en el hecho de que la fuente de tal comentario no fuese otra que el director Nagisa Oshima, cuyas películas son igualmente eclécticas en estilo y contenido. En cualquier caso, semejante crítica es injusta. Mientras que la obra de Ichikawa carece de la obvia integridad que muestran las de Ozu, Mizoguchi o Kurosawa, su variedad externa asegura una unidad integral, algo que queda revelado si uno adopta la idea de Tom Milne: “bajo la piel”.
En realidad, Ichikawa trabajó en unas condiciones un tanto diferentes de aquellas en las que lo hicieron otros maestros del cine japonés reconocidos. Parece que las presiones comerciales a las que tuvo que hacer frente fueron mayores: se sabe que algunos de sus proyectos –incluido uno de los más famosos, La venganza de un actor- le fueron impuestos por su estudio en venganza por el fracaso de sus obras más personales y con el objetivo de subsanar las pérdidas. Con todo, al mismo tiempo, se las arregló para imprimir su sello personal en ciertas de sus obras. A menudo se recurre a compararlo con Howard Hawks, cuyas comedias – centradas en la batalla de los sexos- son muchas veces descritas como el anverso de sus películas de acción, sobre la camaradería en un mundo casi exclusivamente masculino. Asimismo, Ichikawa diferenció entre sus películas las “claras” y las “oscuras”, una división bastante justa, a pesar de que a nosotros nos gustaría más la división entre las categorías “irónicas” y “sentimentales”.
PRINCESS FROM THE MOON (1987)
FENIX (1978)
Retrospectiva Eduard Yang
Eduard Yang nació en Shanghai (China) en 1947 pero se crió en Taipei, Taiwán. Después de estudiar ingenieria en Taiwan, se matriculó en el programa de Ingenieria Eléctrica en la Universidad de Florida, consiguiendo terminar su master en 1974 mientras trabajaba en el Centro de Investigación Informática. Al trabajar en Seattle con microcomputadoras y software de Defensa, conocío una pieza de Werner Herzog (Aguirre, Wrath of God/ Aguirre, la Ira de Dios) y ésta le inspiró para interesarse por los clásicos del cine y reavivar sus intereses por el mundo cinematográfico. Finalmente, Yang regresó a Taiwán para escribir un guión y servir como asistente de producción en la película The Winter of 1905 (El invierno de 1905) para la TV de Hong kong. Aunque regresó a Hong Kong con el objetivo de dirigir una serie de televisión, su futuro cambió totalmente en 1982 cuando se encargó de dirigir y escribir el cortometraje, Desires (Deseos, 1982). El cortometraje se basa en la historia de una niña y sus experiencias durante la pubertad.
Yang creo películas que tenían como telón de fondo el análisis y la revelación de temas que ocurrían en la vida diaria de la ciudad. Su primera gran obra fue That Day On The Beach (Ese día en la playa, 1983), una reflexión modernista sobre las parejas y la familia. Continuó con la película urbana Taipei Story (Historia de Taipei, 1984), una reflexión sobre las ciudades de Taiwan a través de una pareja y The Terrorizer (El terrorista, 1986) un conjunto de cuentos. En su brillante obra A Brighter Summer Day (Un brillante día de verano, 1991), trata el tema de los exámenes de pandillas de adolescentes, los enfrentamientos sociales, la influencia de la cultura pop americana y los jóvenes. A continuación realizó las obras satíricas A Confucian Confusion (1995), and Mahjong (1996), películas que tratan de la lucha entre lo moderno y lo tradicional, la relación existente entre las empresas y el arte, y cómo la codicia capitalista podría corromper, influenciar y afectar al arte. Sin embargo, su película más reciente Yi Yi (2000), considerada su obra maestra, es una historia épica sobre la familia Jian vista a través de sus diferentes perspectivas.
Eduard Yang fue el primer taiwanés y segundo chino en ganar el Premio al Mejor Director en Cannes en el año 2000. El estilo cinematográfico de Yang se convierte en un estilo edificador del futuro incierto de la modernización en Taiwan, y su visión es considerada una de las más originales del cine de hoy en día.
IN OUR TIME (En nuestro tiempo)
A CONFUCIAN CONFUSIÓN (Una confusión confuciana)
MAHJONG
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